ルーベンスとバロック時代と絵画。Rubens and Baroque era and painting.

ピーテル・パウル・ルーベンス(1577-1640)は、バロック画家と言われています。

バロックと言えば、私は、バロック音楽を思い出す。あの、重厚な音色を出す、パイプオルガンは、とても精巧で、今も、その音色は、心に響くものがある。

バロック音楽は、1600-1750年までの150年間を言う。又、バロック建築物として、ベルサイユ宮殿があります。

この建築物もとても重厚な、歴史的建築物です。そんな時代を駆け抜けていったのが、ルーベンスだった。

1600年にイタリアで、マントヴァ公ビィンチェンツオ1世・コンサーガの宮殿に仕えた。ルーベンスは、この時に絵画に影響を受けた。1606年にサンタ・マリア・イン・ヴァリチェッラ聖堂の祭壇画制作の依頼を受けています。

その時に、デッサンを残しています。それは、今も現存しています。教会という、大きなところの祭壇画は、とても、見られやすくしなければ、ならない。

描いた完成作品は、教会に一度は、載せられました。ですが、教会という空間で、反射した光でその祭壇画は、鮮明に見えなかったので、描き直したものが、今は、現存しています。

祭壇画は、時に、全ての人々に見せるために、あえて、鮮明に描かれています。色彩のついたデッサン画の「ヴァリチェッラの聖母」(1608)は、とても、優雅で、そして、天使達も、まろやかな雰囲気です。

デッサン画でありながら、1枚の絵画として、十分に堪能できるのは、ルーベンスの多彩な才能を持っていたことを証明するものです。そのデッサン画は素晴らしいです。

時に、宗教画は、戒めもあるので、残酷なシーンも多い。

「聖母被昇天」(1625-1626)に描かれた天国に登っていくマリアさまも、油絵で描かれたものと祭壇画では、色使いが違います。

祭壇画は、色のコントラストをはっきりとさせ、全ての人々に見えるようにされ、油絵は、繊細に描かれています。このように才能あふれるルーベンスでした。

名作「フランダースの犬」の主人公が見たかったのが、ルーベンスの絵画でした。今回は、ルーベンスの祭壇画について書いてみました。

表紙画は「ヴァリチェッラの聖母」(1606-1608)の祭壇画。

Google Art & Culture,Wikipedia より引用

“Assumption of the Virgin” altarpiece「聖母被昇天」祭壇画
“Assumption of the Virgin” oil painting「聖母被昇天」油絵

Peter Paul Rubens (1577-1640) is said to be a Baroque painter.

Speaking of baroque, I remember baroque music. That pipe organ that produces a profound tone is very elaborate, and even now, that tone still touches my heart.

Baroque music refers to the 150 years from 1600-1750. Also, as a Baroque building, there is the Palace of Versailles.

This building is also a very heavy and historic building. It was Rubens who ran through such an era.

In 1600, he served in the palace of Vincenzo I, Consaga, Duke of Mantua, in Italy. Rubens was influenced by painting at this time. He was commissioned to create an altarpiece for the Basilica of Santa Maria in Valicella in 1606.

At that time, I left the drawing. It still exists today. The altarpiece in the big place, the church, must be very easy to see.

The finished work I drew was once posted in the church. However, in the space of the church, the altarpiece could not be seen clearly due to the reflected light, so the repainted one is still in existence.

Altarpieces are sometimes dared to be vividly drawn to show to all. The colorful drawing “The Virgin of Valicella” (1608)is very elegant and the angels have a mellow atmosphere.

Even though it is a drawing, being able to fully enjoy it as a single painting proves that Rubens had a variety of talents. The drawing is wonderful.

Sometimes religious paintings have commandments, so there are many cruel scenes.

Maria, who climbs to heaven depicted in “Assumption of the Virgin” (1625-1626), also uses different colors in the oil painting and the altarpiece.

The altarpieces have a clear color contrast and are visible to all, and the oil paintings are delicately drawn. It was Rubens full of talent like this.

The main character of the masterpiece “Dog of Flanders” wanted to see Rubens’ painting. This time, I wrote about Rubens’ altarpiece.

The cover picture is the altarpiece of “The Virgin of Valicella”.(1606-1608)

Quoted from Google Art & Culture, Wikipedia

ヨハネス・フェルメール「真珠の耳飾りの少女」は、誰か?Who is Johannes Vermeer’s “Girl with a Pearl Earring”?

今回は、ヨハネス・フェルメール(1632-1675)はオランダの画家です。ヨハネス・フェルメール作品の「真珠の耳飾りの少女」について書いてみようと思う。その当時、自画像を残すというのは、非常に贅沢なものでした。

だから、色んな画家であれ、自画像を描いてもらうのは、非常にコストの高いものでした。だから、豊かな人を描いた作品は、多い。

フェルメールの「真珠の耳飾りの少女」(1665年)は、フェルメールの代表作です。私も機会があれば、何回も観に行ったものです。

この妖艶な瞳とくちびるに釘付けされる人は、多いと思う。

富の象徴は、色で言うと、ゴールド。これは、貴金属の色で、富を象徴するのに、とても効果的な色です。それと、ブルー。これは、ロイヤルブルーという色で、その地位を保証するような色です。

その色を多用した、ヨハネス・フェルメールは、豪華な題材を取り扱う画家であることは、間違いない。

その上に真珠です。今でこそ、真珠は、綺麗な形が多いが、それは、技術の進歩によるもので、古来、綺麗な真珠というものは、自然の中で、育むものだから、かなり高価なものでした。

この「真珠の耳飾りの少女」が、架空の人物とか、フェルメールの娘とか。色んな説がある。私と会話した人は、メイドの娘と言った。私は、その言葉は、半分は、真実であると思う。

身分的には、恵まれないが、とても美しい少女は、ヨハネス・フェルメールの心をくすぐるのに、十分だったと思う。

けれども、これが、自分の側にいる、題材とすれば、とても不都合だ。何故なら、フェルメールは華やかな女性交流がある画家でもある。

だから、異国情緒に溢れたターバンを身にまとい、それは、髪も隠し、人物像を想像するトリックになっている。それは、高貴なゴールドとロイヤルブルーで。

トリックはそれだけではない。ヨハネス・フェルメールは、いつも繊細にものをぼかして描く。あらゆる絵画において。けれども、それは、何故だか、とても美しいのです。この余韻が素晴らしいのです。

それに、背景はそこには描かれていない。これもトリックです。

私は、フェルメールのロイヤルブルーが、いつも心にグッとくる。「真珠の耳飾りの少女」は、もちろん、その瞳もあどけない。見つめられると、心ときめく。妖艶なくちびるもひときわ目立つ。真珠は、美しい。

私は、このミステリアスな少女に、身分不相応の身分を感じると共に、その美しい姿も、身分不相応のほど、美しいものだったと感じる。

だからこそ、架空の人物である。これだけの描写を架空の人物とは、言えない。だからこそ、ミステリアスな美しさは、人々の心を惹くのだと感じる。

今回は、ヨハネス・フェルメールの「真珠の耳飾りの少女」の人物像を取り上げてみました。

Google Art & Culture より引用

This time, Johannes Vermeer (1632-1675) is a Dutch painter. I would like to write about “Girl with a Pearl Earring” by Johannes Vermeer. At that time, leaving his self-portrait was a great luxury.

Therefore, it was very expensive to have various painters draw self-portraits. Therefore, there are many works that depict rich people.

Vermeer’s “Girl with a Pearl Earring” (1665) is Vermeer’s masterpiece. I also went to see it many times if I had the opportunity.

I think many people are nailed to these bewitching eyes and lips.

The symbol of wealth is gold in color. This is the color of precious metals and is a very effective color to symbolize wealth. And blue. This is the color royal blue, which guarantees its status.

There is no doubt that Johannes Vermeer, who used many colors, is a painter who deals with gorgeous subjects.

On top of that is a pearl. Nowadays, pearls often have beautiful shapes, but this is due to technological advances. Since ancient times, beautiful pearls have been quite expensive because they grow in nature.

This “girl with a pearl earring” is a fictional character or Vermeer’s daughter. There are various theories. The person who talked to me said he was the daughter of a maid. I think the word is half true.

I think the underprivileged but very beautiful girl was enough to tickle Johannes Vermeer’s heart.

However, this is very inconvenient if it is the subject matter that is on my side. Because Vermeer is also a painter with a gorgeous female exchange.

So, wearing an exotic turban, it’s a trick to hide your hair and imagine a human figure. It’s in noble gold and royal blue.

That’s not the only trick. Johannes Vermeer always delicately blurs things. In every painting. But for some reason it’s so beautiful. This lingering sound is wonderful.

Besides, the background is not drawn there. This is also a trick.

Vermeer’s royal blue always comes to my mind. “Girl with a Pearl Earring” is, of course, innocent in her eyes. When I stare at it, my heart flutters. The bewitching chibi is also noticeable. Pearls are beautiful.

I feel that this mysterious girl has a disproportionate status, and that her beautiful appearance is so beautiful that she is disproportionate to her status.

That is why he is a fictional character. It cannot be said that such a depiction is a fictitious person. That is why I feel that mysterious beauty attracts people’s hearts.

This time, I took up the portrait of Johannes Vermeer’s “Girl with a Pearl Earring”.

Quoted from Google Art & Culture

ピエト・モンドリアン「赤、青、黄のあるコンポジション」Piet Mondrian “Composition with Red, Blue and Yellow”

この絵画は、「赤、青、黄のあるコンポジション」1930年作です。画家は、ピエト・モンドリアン(1872-1944)。アムステルダム国立アカデミーで学んだ。

初めは、オランダの画法によって、風景、樹木等を描いていたが、一度、フランスのパリで、出会った数々の画家に影響された。パリからオランダに戻った。

その後、急速に抽象化していく。パリから戻った14年後にこの作品は、完成した。

私が、この絵画に興味を持ったのは、ピエト・モンドリアンが、神秘的なものに惹かれ、神智学協会に在籍していることに、注目する。

西洋絵画は、初めは、宗教画が、出発点です。その原点に戻り、この絵画が描かれていることに気付く人は少ないと感じる。

天は、上を見れば、光が差し込む。その光を手や額に浴びて、天から人より優れたものを授かるシーンの多い宗教絵画は多い。

ピエト・モンドリアンは、その天からの授かり物「光」をこのように描いている。

水平な大地や樹木を黒い線にして、その「光」をたくさん浴びたものに抽象化し、その「光」は、「三原色」に分解され、それらは、大きく「光、三原色」とその「光」のそのもの「白」。つまり、透明感に包まれている様に私は、見えました。

あまりに、分解された抽象画は、なかなか、人々に理解されない。けれども、これが、現存していることに、感激するのです。

この作品は、観ていると飽きない。現代アートとしても、通じるし、これは、古来の宗教画にも値する。こんな抽象画の描けるピエト・モンドリアンは、素晴らしい画家です。

一般的には、曲線美が、絵画として価値を感じるのに、必要な要素だけれど、これは、一切の曲線美を取り払い、描いた傑作だと感じた。

この絵画は、理解できる人には、理解できる。けれども、それが、理解できなければ、モダンな絵画として、理解できない人も多いと感じる。

今回は、ピエト・モンドリアンの傑作、「赤、青、黄のあるコンポジション」について、書いてみました。

Google Arts & Culture より引用

This painting is “Composition with Red, Blue and Yellow” made in 1930. The painter is Piet Mondrian (1872-1944). He studied at the Amsterdam National Academy.

At first, he used Dutch painting to paint landscapes, trees, etc., but once he was influenced by a number of painters he met in Paris, France. He returned from Paris to Holland.

After that, it rapidly abstracts. This work was completed 14 years after returning from Paris.

I was interested in this painting, noting that Piet Mondrian was attracted to the mysterious and enrolled in the Theosophical Society.

The starting point for Western painting is religious painting. I feel that few people go back to that origin and notice that this painting is being drawn.

If you look up at the heavens, the light comes in. There are many religious paintings in which the light is bathed in the hands and forehead and the heavens give something superior to humans.

Piet Mondrian portrays the gift “light” from heaven in this way.

The horizontal earth and trees are made into black lines and abstracted into those exposed to a lot of “light”, and the “light” is decomposed into “three primary colors”, which are largely “light, three primary colors” and their “light”. “Light” itself “white”. In other words, I seemed to be surrounded by transparency.

Too much disassembled abstract paintings are hard for people to understand. However, I am impressed that this still exists.

I never get tired of watching this work. It can be used as contemporary art, and it deserves ancient religious paintings. Piet Mondrian, who can draw such abstract paintings, is a wonderful painter.

In general, curvaceousness is a necessary element to feel the value as a painting, but I felt that this was a masterpiece that removed all curvaceousness and drew it.

This painting can be understood by those who can understand it. However, if I don’t understand it, I feel that many people can’t understand it as a modern painting.

This time, I wrote about Piet Mondrian’s masterpiece, “Composition with Red, Blue and Yellow”.

Quoted from Google Arts & Culture

パウル・クレー「スーパーチェス」は歴史感のある近代美術。Paul Klee “Super Chess” is a modern art with a sense of history.

パウル・クレー(1879-1940)は、ドイツ人音楽教師の父とスイス人歌手でピアニストでもあった母のもと、スイスのベルンで幼少期を過ごした。又、自身もヴァイオリン奏者で、ピアニスト、リリーと結婚した。

このような環境であったけれども、クレーは、画家になりました。ドイツの政治に翻弄され、ドイツのデュッセルドルフでの教鞭を剥奪され、自身は、スイスのベルンに亡命しました。しかし、市民権は、取れなかった。

その中、クレーは、数々の建築物に興味を持ったのです。

近代美術は、一見、非常に無機質に感じます。

ですが、クレーは、古代の石切場を見学して、感銘を受けたのです。それは、南フランスのビベミュス、ベルリン郊外のオスタームンディゲン、シチリア島のシラクーザ、等。だから、非常に無機質な感じの絵画ですが、非常にそれは、歴史を感じる。このような背景が、クレーの作品においてはある。

パウル・クレーの作品で、私が、もっとも感銘を受けたのは、「スーパーチェス」(制作年1937年)です。周りを紫色に囲われて、そのチェス台の空間は、白、グレー、黒、青、赤、等で彩られている。

そこにチェスの駒が乗っています。その空間は、非常に勢いがあり、その筆使いは、チェス台という、無機質な空間を非常に緊張感あふれるものになっている。だから、その駒も非常に勢いよく感じるものです。

これを印刷物にしても、この素晴らしい、タッチは、伝わらない。

私は、この絵画の前で、数十分という時間を過ごし、さらに、興味を持つほど、非常に飽きない、勢いのある作品でした。やはり、本物は、違う。この「スーパーチェス」は、本物を観るべきで、印刷物では、これは全く違う。

この傾向は、近代の美術の全体に言えると感じる。

是非、機会があれば、この「スーパーチェス」に興味を持って、観ていただきたい。今回は、近代美術分野は、非常に重厚な歴史感を持って生まれている事と、その作品は、非常にデリケートであることを書いてみました。

引用 Google Arts & Culture

Paul Klee (1879-1940) spent his childhood in Bern, Switzerland, with his father, a German music teacher, and his mother, a Swiss singer and pianist. He also married the pianist Lily, who is also a violinist himself.

Despite this environment, Klee became a painter. He was at the mercy of German politics, stripped of his teachings in Düsseldorf, Germany, and went into exile in Bern, Switzerland. However, his citizenship could not be obtained.

Among them, Klee was interested in a number of buildings.

At first glance, modern art feels very inorganic.

However, Klee was impressed by the tour of the ancient quarry. They are Bibemus in southern France, Ostermundigen in the suburbs of Berlin, Syracuse in Sicily, etc. So it’s a very inorganic painting, but it feels very historical. This background is in Klee’s work.

One of Paul Klee’s works that impressed me most was “Super Chess” (produced in 1937). Surrounded by purple, the space of the chess table is colored with white, gray, black, blue, red, etc.

There is a chess piece on it. The space is very vigorous, and the brushstrokes make the chess table, an inorganic space, very tense. Therefore, the piece also feels very vigorous.

Even if this is printed, this wonderful touch is not transmitted.

I spent tens of minutes in front of this painting, and it was a very exciting work that I was interested in. After all, the real thing is different. This “super chess” should look real, and in print this is completely different.

I feel that this tendency can be said for all modern art.

If you have a chance, please take an interest in this “super chess” and watch it. This time, I wrote that the field of modern art was born with a very profound sense of history, and that the work is very delicate.

Quote Google Arts & Culture

引用 Google Arts & Culture

Paul Klee (1879-1940) spent his childhood in Bern, Switzerland, with his father, a German music teacher, and his mother, a Swiss singer and pianist. He also married the pianist Lily, who is also a violinist himself.

Despite this environment, Klee became a painter. He was at the mercy of German politics, stripped of his teachings in Düsseldorf, Germany, and went into exile in Bern, Switzerland. However, his citizenship could not be obtained.

Among them, Klee was interested in a number of buildings.

At first glance, modern art feels very inorganic.

However, Klee was impressed by the tour of the ancient quarry. They are Bibemus in southern France, Ostermundigen in the suburbs of Berlin, Syracuse in Sicily, etc. So it’s a very inorganic painting, but it feels very historical. This background is in Klee’s work.

One of Paul Klee’s works that impressed me most was “Super Chess” (produced in 1937). Surrounded by purple, the space of the chess table is colored with white, gray, black, blue, red, etc.

There is a chess piece on it. The space is very vigorous, and the brushstrokes make the chess table, an inorganic space, very tense. Therefore, the piece also feels very vigorous.

Even if this is printed, this wonderful touch is not transmitted.

I spent tens of minutes in front of this painting, and it was a very exciting work that I was interested in. After all, the real thing is different. This “super chess” should look real, and in print this is completely different.

I feel that this tendency can be said for all modern art.

If you have a chance, please take an interest in this “super chess” and watch it. This time, I wrote that the field of modern art was born with a very profound sense of history, and that the work is very delicate.

Quote Google Arts & Culture

ピエール=オーギュスト・ルノワールの画家としての人生と作品。Pierre-Auguste Renoir’s life and work as a painter.

この作品は、ピエール=オーギュスト・ルノワール(1841-1919)の代表的作品の「イレーヌ・カーン・ダンヴェール嬢」(制作年1880年)です。ルノワールは、フランスのパリの有名な印象派の画家です。

ルノワールの作品は、当時の豊かな人々に大変好まれました。だから、作品は、豊かな人々を描いた作品が多いです。

社交界にも、よく出ており、ルノワールの息子も社交界で活躍していました。ですから、とても、華やかな世界を生きた画家です。

多くの画家は、生前は、社会から、評価されることが、少なく、没後にその作品が社会的に認知されることが多い。

画家としては、大変恵まれた環境にいたルノワールです。色使いも、非常に多彩で、油絵の筆跡は、時に厚く、その筆跡は、エレガントです。そこに、ぽつんと、華やかな色を差し込む、そんな、アクセントは、ルノワールの才能を感じる。

実際に見ても、とても美しい作品が多数ある。

そんな中、ひとつのルノワールの作品があった。その作品は、ルノワールのメイドを描いた作品でした。あまり有名ではないその作品は、従来のルノワールの作品とは、全く異なる。何故なら、その胸元は、乱れている。そんな色気のある作品です。そこに、華やかさは、ない。

ルノワールの女性関係は、華やかだった。だから、描いてもらうことは、非常に難しいものだった。そんな中の作品です。

ルノワールは、下積み時代はありましたが、「画家としての人生」は、しあわせだった。だから、よくある、画家として、暗い作品は、見当たらない。印象派として、ルノワールは、よく知られた人物です。

この作品は、「ムーラン・ド・ラ・ギャレットの舞踏会」(制作年1876年)の作品で、印象派として、最も評価された作品のひとつです。当時、写真技術のない時代において、このような人々を情景として残すのは、難しいからです。この絵画は、ルノワールを印象派として認知するのに、充分な作品です。

彼の作品は、好んで観ることは、多い。とても、美しい作品が多いからです。今回は、「ルノワールの画家としての人生」とその作品に登場する人物像について書いてみました。

引用 大英図書館よりのパブリックドメイン、Google Arts&Culture

This work is a representative work of Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), “Miss Irene Khan Danver” (produced in 1880). Renoir is a famous Impressionist painter in Paris, France.

Renoir’s work was very much liked by the rich people of the time. Therefore, many of his works depict rich people.

He often appears in social circles, and Renoir’s son was also active in social circles. Therefore, he is a painter who lived in a very gorgeous world.

Many painters are rarely evaluated by society during their lifetime, and their works are often socially recognized after their death.

As a painter, Renoir was in a very privileged environment. His colors are also very diverse, and his oil paintings are sometimes thick and elegant. The accent, which inserts a gorgeous color into it, feels Renoir’s talent.

Even if you actually look at it, there are many very beautiful works.

Meanwhile, there was one Renoir’s work. The work was a work depicting a Renoir maid. The lesser-known work is quite different from the traditional Renoir work. Because the chest is disturbed. It is such a sexy work. There is no glitz there.

Renoir’s relationship with women was gorgeous. Therefore, it was very difficult to get them drawn. It is a work in such a situation.

Renoir had an era of underlaying, but his “life as a painter” was happy. Therefore, as a common painter, I can’t find any dark works. As an Impressionist, Renoir is a well-known person.

This work is the work of “The Dance of Moulin de la Galette” (produced in 1876) and is one of the most acclaimed works of the Impressionists. At that time, it is difficult to leave such people as a scene in an era without photographic technology. This painting is enough to recognize Renoir as an Impressionist.

I often like to see his work. Because there are many very beautiful works. This time, I wrote about Renoir’s life and the figures that appear in his work.

Quote: Public domain from the British Library, Google Arts&Culture

ロンドンナショナルギャラリー展オンラインガイド。ゴッホ、ひまわり。London National Gallery Exhibition Online Guide. Van Gogh, sunflowers.

人生を豊かにする、心。The heart that enriches life.

今回は、日本を離れて、ドイツのクラッシック音楽の事を書いてみたいと思います。

ドイツ音楽は、非常に重厚です。

代表作曲家は、J.S.バッハ、(Bach),ベートーヴェン(Beethoven),ヨハネス.ブラームス(Brahms)は、とても有名なドイツ音楽です。

このブラームスは、とても曲調が、重いです。

私の好きな日本人の指揮者で、佐渡裕さんがいますが、彼はとても軽快にクラッシック音楽を「演出」してくれます。

ブラームスの天才的な音楽は、非常に重く、哀しみの強い曲が、多いので、いつもどうタクトを振るのか、楽しみでした。

…ブラームスは、どうしてこんなに曲調が、「哀しい」のか、知った時は、衝撃でした。

クララ.シューマンという、ピアニストと不倫関係を知ったのです。

ウワサですが、彼女は、8人の子供を産んでいますが、8人目の子供が、ブラームスの子供だと世間は、騒いでいました。

このウワサは、19世紀のことです。

私は、特に「音楽」を専攻していません。

このことを知ったのは、1枚の「絵画」でした。

とても、クララ.シューマンは、美人だったそうで、色んな業界の人との交流が、あった、そうです。

その中のひとりが、彼女を題材にして、描いた「絵画」があります。

その「絵画」には、美しいクララの姿と共に、「お腹の赤ちゃん」が、描かれていました。

その赤ちゃんは、「不倫」で、できた子供だと、嫉妬で、満ちあふれた、「絵画」でした。

学芸員から、のお話で、とても興味深いものでした。

それが、クララとブラームスだと知ったのは、数年後になるのです。

このように、色んな形で、その人の「人生」は語ります。

ブラームスは、「実らぬ愛」を「音楽」という形で残しています。

耳の聞こえなくなった、ベートーヴェン、の話は、有名です。

「運命」は、人生の波、風、時には安らぎを奏でています。

誰でも、100%満たされる、ことは、ありません。

だからこそ、自分のできるところから、始めてみましょう。

「経験」は、「努力」によって、「宝」にできます。

色んな境遇の人が、「苦境を乗り越えて、良い人生」になりますように。

This time, I want to leave Japan and write about German classical music.

German music is very solid.

The representative composers are J.S.Bach, (Bach), Beethoven, and Johannes Brahms are very famous German music.

This Brahms is very tuned and heavy.

One of my favorite Japanese conductors is Yutaka Sado, who “directs” classical music very lightly.

Brahms’s genius music has a lot of very heavy and sorrowful songs, so I was always looking forward to how to play the tact.

… It was a shock when Brahms knew why the tune was so sad.

I knew Clara Schumann, an affair with a pianist.

Rumors, she has eight children, but the public was upset that the eighth child was a child of Brahms.

This rumor is from the 19th century.

I am not particularly majoring in music.

It was one “painting” that knew this. Very, Clara Schumann was a beautiful woman, and there was interaction with people from various industries.

One of them is a “painting” drawn with her as the subject.

In the “painting”, “the baby on the stomach” was drawn with a beautiful figure of Clara.

The baby was an “affair”, a jealous, full, “painting” if it was a grown child.

It was very interesting from the curator.

Only a few years later I knew it was Clara and Brahms.

Thus, in various ways, the “life” of the person speaks.

Brahms leaves “ineffective love” in the form of “music”.

The story of Beethoven, who is deaf, is famous.

“Destiny” plays the waves, the wind, and sometimes the peace of life.

Nobody is 100% satisfied.

That’s why you can start where you can.

“Experience” can be made “treasure” by “effort”.

May people of various circumstances become “overcoming the hardships and have a good life”.